Trigger Travis - Nada cambia (2014)

Desde Renteria nos llegan novedades de Trigger Travis, un grupo que dábamos por muerto, pero que han sorprendido con un nuevo disco y una nueva formación.

Fue el 2008 cuando la banda presentaba ese destructor “The Zoo”, que arrasó el Villa de Bilbao liderados por el potente chorro de voz de Marga, cantante por aquel entonces. Al de un tiempo dejó el grupo para formar con su hermano y cantante de Jousilouli, Anai-Arrebak, otro rollo diferente y una pena la verdad. Más tarde vimos a Trigger Travis en el festival de Bermeo Aritxatxu Rock Free, que tristemente ya no se celebra. En esa ocasión, presentaron a un nuevo cantante que no convenció demasiado a los que estábamos allí presentes, esta vez masculino y cantando muy a lo americano. No terminaba de cuajar como antes, pero había muy buen nivel.

Y Finalmente llegamos al presente. Una gran noticia que me llevo al ver que tienen nuevo disco grabado y que el cantante es uno de los veteranos de la escena bilbaina, el pluriempleado en esto de la música underground, Alberto (Crickbat, Represión….). Al contrario que el título del disco, Nada Cambia, su música representa un cambio evidente. Mayormente por el paso de voz femenina a masculina, pero también en la música con más partes aceleradas y en general, un poco de todo dentro del hardcore y el toque rockero.

Antes de precipitarse juzgando qué cantante es mejor, me parece más razonable no hacer comparaciones. Podrían ser 2 grupos distintos perfectamente y como tal hay que escuchar este último disco. La voz de Marga es dificilmente reemplazable y si esperas encontrarte algo igual, quizás pueda decepcionarte, no lo hagas. Esto es un nuevo Trigger Travis, de cantar en inglés han pasado al castellano y ahora en sus letras se quedan a gusto gritándole al sistema y sus miserias combinando voces rasgadas y melódicas.

Nada Cambia es un disco de hardcore y rockanroll de un altísimo nivel en cuanto a grabación, composición y letras. Por desgracia, tengo la sensación de que pocos grupos de jóvenes van surgiendo y los que siguen dentro son los mismos de siempre. Con el tiempo se van afinando y lanzas discazos como este.

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Guerrera - Mauna Loa (2014)

Como no podía ser de otra manera con ese nombre, la banda gallega Guerrera vuelve a la carga en este 2014 con su segundo trabajo titulado Mauna Loa en una referencia tan evocadora como acertada al mayor volcán del mundo en volumen y superficie. A diferencia de su sorprendete debut de nombre Under The Gispy Sun, que vio la luz hace más o menos un año, este trabajo ha sido editado por la discográfica Matapadre (Unicornibot, Disco Las Palmeras!, Colectivo Oruga...) dando un gran paso adelante en cuanto a profesionalidad, hecho que se ha visto plasmado inequívocamente en su sonido.

Su primer LP supuso un soplo de aire fresco a una escena totalmente colapsada por grupos sin alma que no son capaces de sonar con personalidad y que se limitan a repetir la, en otro día, exitosa fórmula que utilizaron otras formaciones. Como digo, hay cientos y cientos de bandas con las mismas influencias (stoner, psicodelia, blues, rock algo más clásico...) y que ejecutan su sonido de una forma similar a Guerrera, pero estos chicos tienen ese algo que no sabes lo que es y que no puedes describir, pero que es lo que les sitúa por encima del resto de bandas. De todas formas, a nadie le debería extrañar que Guerrera posea alma propia sabiendo que sus componentes han estado o están en formaciones con cierto renombre en el mundo underground como Cró!, Holywater o Cuzo o incluso en la legendaria banda de neocrust Ictus.

Sin duda, la calidad del primer LP ya era notable, pero si nos ponemos exigentes, se podía intuir más potencial del que realmente se veía plasmado. Si tuviese que ponerle alguna pega a este Under The Gipsy Sun, diría que la producción del sonido era mejorable y que quizás faltase algo de cohesión entre los temas del disco. Esto ya no es así. En este Mauna Loa Guerrera ha madurado y ha creado una obra completa, compuesta por dos canciones de 18 minutos cada una, donde precisamente la cohesión durante los temas y entre ellos es lo que hace que este nervioso volcán a punto de estallar brille con luz propia.

La densidad de su sonido, conseguida a base de ardientes riffs que queman tu cerebro al mínimo contacto con tu tímpano y furiosos pero delicadamente estudiados ritmos de batería, es otro de sus puntos fuertes y éste no resulta una simple ilusión fruto de una gran producción sonora, ya que no hay más que verlos en directo para comprobar que todo lo que habías oído está ahí, que no hay trampa ni cartón, y que si no te apartas de su camino serás arrastrado por el abrasador magma que escupen sobre el escenario.

El resultado es para mí casi perfecto (y digo lo de casi por no ponerles techo, porque sinceramente no creo que lo hayan alcanzado todavía) y es toda una lección maestra de ritmo, intensidad y groove, todo en un formato más propio de jams, y que seguro hará vibrar a los amantes del género.

Mi recomendación personal es que para disfrutar de este Mauna Loa en su totalidad lo escuchéis no de manera pasiva mientras hacéis otra cosa, sino de manera activa, que escuchar sea lo principal de ese momento. Así conseguiréis uniros a este loco viaje donde subiremos, bajaremos y recorreremos caminos por los que nunca antes habíamos circulado para nunca más volver al lugar del que salió la expedición en nuestra mente.

Larga vida a Guerrera!

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Sonny Rollins - Saxophone Colossus (1956)

Aquí tenéis otra deliciosa compilación de cinco temas interpretados por Sonny Rollins como líder del cuarteto que completan Tommy Flanagan al piano, Doug Watkins al contrabajo y Max Rouch a la batería. La verdad es que este coloso del saxofón se debió de despertar muy inspirado aquel 22 de junio de 1956, iluminado por algún tipo de intensa emoción, para grabar una sesión que desborde de tanta calidad, expresión y elegancia, y automáticamente se convierta en un clásico del jazz. 

Todo el disco se desarrolla con gran coherencia y equilibrio, ofreciendo una sucesión de temas, colores y fraseos que, además de transmitir directos y comprensibles mensajes musicales, causan la grata e inesperada sensación de estar escuchando lo que en ese preciso instante querrías escuchar -pero no sabías-, como que todas las frases tienen una lógica aplastante. Tema a tema se mantiene la tensión del swing con esa combinación de feeling impulsado por la sección rítmica y las melodías improvisadas recostadas tras el beat. Cada nota está en su sitio y nada sobra, la música respira y expresa contenidos complejos de manera comprensible; así es como se comunica con suma elocuencia este gran maestro del saxofón.

Si se cree que el jazz es siempre lo mismo y supone un aburrimiento para "la gente no entendida" es porque no se le ha prestado suficiente atención y no se ha captado su esencia. La esencia no se explica en los conservatorios, está más allá de los conocimientos técnicos e históricos del lenguaje de la música. La esencia no se explica, se vive. Ésa es la única manera de entenderla, pero como desgraciadamente hoy en día la música y la cultura en general funcionan según las normas del mercado y la diversidad y autenticidad se van perdiendo y olvidando en favor de un ocio mucho más fácilmente consumible, superficial, vulgar e impuesto, es difícil encontrar sitios donde se pueda tener una experiencia real de la capacidad de expresión artística del ser humano y de hacer trascender el instante, como en un mágico concierto de jazz se podría apreciar.

Sin embargo, en esta oscura gran nube de información en la que estamos inmersos sobre todo desde la creación de Internet, la cual nos desorienta e inhabilita a la hora de apreciar una obra en profundidad, se encuentran también esos contenidos culturales mucho más accesibles y sólo necesitamos de una mínima visión crítica, interés, tiempo y criterio para descubrir muchos tesoros que esconde la historia de la cultura y, en este caso concreto, de la música. Aunque, como hemos dicho, la esencia es más difícil de captar si no se vive el directo -esa intensa, natural y efímera creación artística-, también puede uno acercarse a ella a través de ciertas grabaciones, siendo para ello imprescindible escuchar buenos discos y escucharlos activamente, como se solía hacer antes -y no mientras leemos un libro en el metro o hacemos otras actividades-, fijándose en cómo se juega con los elementos, cómo se entrelazan las voces, qué aporta cada instrumento, qué lenguajes utiliza cada músico, cómo se crean ambientes... y sobre todo apreciando la respuesta personal que dan grandes artistas como Sonny Rollins a la gran incógnita del verdadero poder de la creatividad humana.

Aquí lo tenemos. Él es Saxophone Colossus:

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Warsong

Warsong es la banda heredada de Insomnio, aunque poco a poco, con el tiempo, ira perdiendo la etiqueta de ex-, y es que tampoco tiene mucho sentido si no estamos hablando de la carrera musical del guitarrista, que es el único que tocaba en Insomnio. El caso es que la banda maña Warsong tiene ya un LP y 2 EPs en la calle, y vendrán a visitarnos el día 17 de abril junto a otras igualmente grandes bandas:

Este grupazo de punk rock ha conseguido un sonido muy personal e interesante mezclando atmósferas rockeras oscuras y melodías adictivas de bajo y voz. Todo muy clavado y en su sitio, donde el director de orquesta es el guitarrista de los "punteos oscuros", el que no canta. En sus 3 referencias no hay mejor ni peor material, solo una evolución natural. Os dejo los 3 discos:

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Los Mambo Jambo - Impacto Inminente (2014)

El sábado pasado el grupo efímero Los Toldos -formado sólo para esa noche- cerró la Bertsio Gaua que organizamos con el tema Everybody is Fakin' de Los Mambo Jambo. No fue casualidad que se eligiera este tema para terminar la velada, ya que, como la mayoría de temas de este grupo, tiene muchísima energía y gancho para el público. Hoy presentamos su último disco Impacto Inminente, una potente mezcla de rock n' roll, swing y rhythm & blues incendiario.

Esta banda instrumental creada en 2009 y afincada en Barcelona nos deja claro desde la primera nota que sabe muy bien lo que busca y lo que hace. Su sonido jambofónico -como ellos mismo llaman- creará todo tipo de imágenes y escenas en nuestro imaginario, desde oscuras y siniestras calles donde suceden los más turbios negocios y asesinatos, hasta una frenética fiesta rockera en una tasca perdida, pasando por un interminable viaje en moto por el Sáhara o una idílica playa con buenas olas y surfistas. 

Los cuatro integrantes de la banda tienen una larga e intensa trayectoria a sus espaldas, repleta de proyectos interesantes como Nel·lo y la Banda del Zoco, Nu-Niles, Los Rebeldes, Down Home o la Barcelona Big Blues Band, entre otros. Sus influencias y particulares estilos que trabajan independientemente en sus propios proyectos, que van desde el jazz y el blues hasta el rockabilly, confluyen perfectamente en esta banda y dan como resultado un sonido compacto, coherente y carismático que pocas bandas consiguen. 

Este disco es una buena introducción al grupo, pero donde sin duda más brilla la banda es en los enérgicos directos, que si algún día tenéis la oportunidad de presenciar no deberías ni siquiera dudar. Un repertorio escogido con gusto y ejecutado con total precisión y entrega hace que el concierto se convierta en un verdadero show y el público no tenga más remedio que moverse para desahogar ese cúmulo de sensaciones positivas.

En fin, para qué dar más vueltas... en Impacto Inminente encontrarás ese sonido que buscabas en el rock & roll: fuerza combinada con destreza, agilidad con estilo, simpleza con carácter. Sumérgete en los sudorosos romances que te propone el sonido de ese saxo...

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Kilauea - Sonichaos (2014)

Por fin nos llega el primer disco largo de esta banda del Duranguesado, de donde suelen salir buenas bandas de punkrock y rockanroll. Había expectación, y es que desde que sacaron la maqueta en 2011, habían demostrado en sus conciertos que tenían un nivel muy alto y capacidad para sacar un discazo. Y así ha sido, este SoniChaos es puro high energy rockanroll al más puro estilo escandinavo.

Al igual que los Hellacopters (por nombrar una influencia de sobra conocida), han padecido ese paso de quitar la espina más punki de la maqueta para hacer algo más limpio, pero igual de salvaje, en este disco. La verdad es que han logrado un sonido impecable, seguramente, el que ellos llevaban buscando desde el principio. Es muy apreciable el poderío de las guitarras: limpias, afiladas y cargadas de ritmos frenéticos llenos de punteos.

En estas 8 canciones, Kilauea cantan en inglés y la verdad es que se hecha un poco en falta alguna en euskera, ya que en la maketa las 2 que había en euskera eran mis favoritas, aunque, una vez escuchado el disco, es fácil afirmar que es gratamente superior al anterior. Quizás la guinda del pastel hubiera sido otro bonus track a lo "Su honek bier dauen Hauspue".

Rockanroll y energía por todos los costados, han hecho muy bien su trabajo y se les ve con mucha ilusión y ganas. Ahora queda desearles suerte y ver hasta donde llegan con este gran Sonichaos. El día 21 de Marzo les tendremos en el Gazte Lokala de Deusto junto a otros portentos del rockanroll, Highlighths. Os animamos a que un paséis por esta noche de rockería de quilates.

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Lee Fields & The Expressions - Faithful Man (2012)

En un mundo donde el acceso a cualquier tipo de información se da fácilmente desde casa, paradógicamente se extiende una general resignación hacia la búsqueda de desconocidas propuestas musicales y aceptamos únicamente -y con mucho placer y aprecio- lo que las grandes compañías de la industria musical nos dan a la boca. Estos parecen tiempos en los cuales gente como Lee Fields no tienen cabida. Su voz rasgada y quejumbrosa no resulta adecuada para los tiempos modernos, donde las nuevas generaciones buscan un sonido limpio, "perfecto" y envuelto en efectos electrónicos -pero carente de carácter y autenticidad- que alegre nuestras aburridas vidas. Pero el soul sigue vivo, y para demostrarlo hoy presentamos el delicioso disco Faithful Man de Lee Fields, publicado en 2012 por Truth & Soul.

Lee Fields lleva desde finales de los 60 aportando mucho a la música negra, casi siempre en silencio, llevando el apodo de "pequeño James Brown" como una pequeña carga. Comenzó tocando en bandas en circuitos menores y a finales de los 60 arrancó su carrera como vocalista colaborando con formaciones como Kool and The Gang o Little Royal. Tras varias décadas a la sombra de los grandes artistas, sin hacer nunca demasiado ruido, le ha tocado ahora recoger los frutos de una talentosa carrera. En este vídeo podéis verle en acción como si estuviera grabando en el salón de casa, interpretando, por cierto, el tema Money i$ King -el título ya nos deja muy claro el mensaje- del disco My World.

Lee Fields y su banda ‘The Expressions’ no son ningún revival, son auténtico sonido directamente sacado a base de sudor y talento de la buena música negra de los 60´s/70´s. Toda la experiencia del cantante, junto con la pericia técnica de su banda, crean una interesante fusión que hará a los nostálgicos recordar al mítico Al Green, o a aquellos directos de Sam Cooke en el Harlem Square Club.

La mayoría de los temas del disco llevan un tempo y feeling moderados, alejándose así de los ritmos bailables del funk pero dando, por otro lado, un carácter más melancólico a lo que su música nos transmite. Sin duda en este tipo de canciones souleras es donde más brilla la potente y carismática voz de Lee Fields, que acompañada de la sección rítmica y de una sección de vientos, cuerdas y voces delicadamente arregladas nos ofrece este precioso obsequio.

El disco empieza con la canción que más engancha -el indiscutible hit que da nombre al disco- desde el estribillo. Sin duda Lee nos quería atrapar desde un principio, paralizarnos con la intensidad de su forma de expresión más pura -su música- y dejar claro su mensaje -que siempre ha sido fiel-, asestándonos con precisión una flecha en el corazón antes de que podamos decir palabra. Y es que esa "brutal honestidad" -como la han descrito en alguna otra reseña- se percibe no sólo en ese primer tema, sino en cada letra, cada nota y cada comentario de un modo muy claro. Aunque el tema Faithful Man marque un principio fuerte y exigente, los siguientes nueve que completan el trabajo tampoco nos dejarán indiferentes, entre los cuales destacaría Wish you Where Here, dedicado a la memoria de su padre y a cualquiera que haya perdido a alguien cercano. El tema indudablemente tiene los ingredientes necesarios para ser una gran balada soul: una letra directa, las voces adecuadamente combinadas y equilibradas y una estructura clara y perfectamente diseñada, haciendo que la armonía y melodía se desarrollen de manera que en un principio se nos sugiere una canción triste y relajada, luego se crea un poco de tensión durante la estrofa para llegar a un punto de aparente reposo que, de repente, se carga de tensión y desenboca en un potentísimo estribillo, cargado de energía y sentimientos puros. 

La verdad es que mientras escribo esto me estoy dando cuenta de que presenciar un concierto de este hombre acompañado de su banda tiene que ser una experiencia realmente conmovedora. Por lo que oído de gente que ha asistido a algún concierto suyo, Lee, dada su dilatadísima experiencia sobre los escenarios, suele manejar los diferentes momentos de la actuación y las intensidades con mucha maestría, buscando alternar en su repertorio los diferentes estilos que domina y transmitiendo al público, siempre atrapado por su talento, gran diversidad de sensaciones: ganas de bailar, nostalgia, felicidad, tensión... Esperemos que pase por estas tierras dentro de poco.

Aquí tenéis, pues, este trozo del alma de Lee Fields. Disfrutadlo:

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Michel Camilo - Why Not? (1985)

Aquí traemos un discazo del pianista y compositor dominicano Michel Camilo, un verdadero referente del latin-jazz. Para que os vayáis familiarizando con su estilo, así es como suena:

Aunque muchas veces utilicemos etiquetas para clasificar distintos géneros musicales, hay que ser consciente de que esto sólo sirve para comunicar el carácter de la música a la que nos estamos refiriendo e intentar describirla, pero que la música, en sí, no tiene fronteras. Si queremos hablar del gran pianista Michel Camilo podríamos simplemente comentar la interesante fusión de música latina y jazz que lleva a cabo, pero esto sería, en mi opinión, quedarse lejos de lo que su música nos dice. Y es que una persona que desde su temprana infancia se sumerge completamente en la música y con dieciséis años ya está tocando en la orquesta sinfónica del país, influenciado constantemente tanto por la música folclórica que se encuentra en cualquier rincón de esas tierras caribeñas como por la académica o la que absorbe mediante un proceso de comprensión teórico y profundo, no puede decidir coger la música latina y el jazz y juntarlos como si cosiera dos trapos, sino que tiene la necesidad natural de crear algo como forma de desahogo de esas infinitas influencias. Es más una explosión incontrolable que una decisión racional, un "esto es lo que soy" más que "esto es lo que quiero hacer". Y así deberíamos entender la música en su sentido más profundo, por muy poco que sepamos técnicamente sobre ella: un lenguaje que nos permite simplemente ser y comunicar esa complejidad existencial más allá de los significados concretos y limitados de las palabras. Cuando escuches el disco que hoy recomendamos, sentirás toda la energía que surge de esa explosión.

He escogido este Why Not? para la reseña por tratarse del disco debut y porque me parece que capta muy bien la esencia de su música. Está menos elaborado que sus posteriores trabajos, como el One More Once (1994) que reúne casi todos los temas de este álbum -y añade otros muy interesantes- y los adapta a un formato de big band con 21 músicos mundialmente reconocidos, trabajando los arreglos en detalle y dando un carácter más profesional a su música; sin embargo, su debut nos muestra la necesidad que tenía este hombre de crear un proyecto propio, la de ideas originales que había acumulado y el altísimo nivel técnico que había adquirido anteriormente.

Éste es un tema que compuso para su primer disco y arregló después para big band, pero es tan bueno que vais a agradecer escucharlo dos veces y así veréis quiénes son los monstruos que se han juntado en la All Star New York Big Band.

Pues aquí va el disco que presentamos. Fijaros cómo juega con los ritmos, lo llena que está la armonía, el enganche que tienen las melodías, cómo domina los tempos, qué intensidad transmite, cómo se diluyen los grooves afro-latinos con el feeling hard-bop y cómo improvisan -tanto él como los geniales integrantes de la banda- de manera espectacular. 

Venga, sube el volumen, levántate del ordenador y déjate llevar por los ritmos de Michel Camilo. Why Not?

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Giganto - Fuego Amigo (2013)

Cuenta la leyenda que hace unos años (seguramente tras la disolución de Kyuss y la aparición de tantas y tantas bandas que intentaron hacer lo mismo que ellos sin éxito) la gente de las montañas corrió despavorida hacia las ciudades huyendo de un peligro tan temible como desconocido. "¡El stoner se muere y no hacemos nada para salvarlo!" gritaban, y había quien directamente se ponía en lo peor "¡El stoner ha muerto!¡El stoner ha muerto!¡Ya nadie está a salvo!"

Puede que estuvieran en lo cierto. La mayoría de los discos cuya única influencia es el stoner que salen hoy en día siempre dejan esa sensación de deja-vú, de ya haber escuchado antes algo realmente parecido e incluso mejor, como si el stoner se hubiese visto obligado a prostituirse en las calles por cuatro duros a cambio de seguir vivo, mientras decenas y decenas de bandas lo manoseaban y le arrancaban su dignidad. A nadie parecía importarle menos a nosotros, sus antiguos amantes, quienes no soportamos verle en estas condiciones tras haberle conocido en sus años mozos, cuando era un estilo jovial y divertido, siempre con ganas de hacer viajar a tu mente.

Desde su primer y sorprendete EP los madrileños Giganto dejaron bien claro que ellos no iban a ser una de estas bandas que no aportan nada al estilo, y que desde luego venían para quedarse, si bien nos han tenido en espera más tiempo del que nos hubiese gustado, aunque el resultado final bien merece la pena. Como si de unos Karma To Burn trasnochados se tratase, descargan toda su rabia sobre estos diez temas de stoner instrumental con momentos algo más metaleros que no hacen más que reforzar si cabe el poder de su creación.

El disco, por lo general, sigue la misma línea del anterior EP, aunque han refinado su estilo sin significar esto que hayan perdido ni un ápice de su brutalidad, que desborda por todos lados gracias en parte también a la sencilla pero ideal producción.

Se mire por donde se mire, estamos ante uno de los trabajos del año a nivel nacional y quizás a nivel internacional, que además ejerce como salvavidas del stoner, demostrando que todavía tiene mucha vida por delante y que no está ni mucho menos acabado, pero que hace falta creatividad y originalidad para no caer en los clichés del estilo.

La langosta se ha posado de nuevo al fin. Larga vida a Giganto!

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Maceo Parker - School's In! (2005)

Tanto si te gusta el funk como si todavía no, Maceo Parker hará que lo aprecies como no lo habías hecho antes. Es uno de esos personajes que merece una escucha obligatoria. Con ese estilo tan particular que tiene a la hora de improvisar y el timbre brillante y único que emite de su saxofón, demuestra con maestría, en cada disco y cada directo, que es uno de los reyes del funk y el jazz-soul. 

De su trayectoria, inabarcable por extensísima e interesante, destacaría sus comienzos, cuando en los años 60 él y su hermano (Melvin, batería) se introdujeron en el mundo del funk tocando en la banda de James Brown. Así, poco a poco fue colaborando en más grupos -como en el Parliament-Funkadelic de Geoge Clinton-, y formando nuevos proyectos como Maceo & All the King's Men. En los años 90 decidió emprender su carrera en solitario -paralela a otras colaboraciones, como en la banda de Prince- y empezar a alternar su instrumento principal, el saxo, con la voz -e incluso lanzarse con la flauta travesera en algún tema. 

Desde entonces ha grabado 12 discos, manteniendo la formación base en la mayoría de ellos. Personalmente, prefiero cuando toca en el formato de banda clásica de funk que en el de big-band, creo que permite crear una atmósfera más acojedora, más cercana y más auténtica. Recuerdo que cuando tocaron en Bilbao en 2010 en este formato, tuve la suerte de presenciar lo que resultó ser uno de los mejores conciertos de mi vida. En muchos conciertos me lo he pasado muy bien y he visto grupos realmente buenos, pero pocos llegan a ofrecer un espectáculo de dos horas manteniendo un nivelazo en todos los aspectos y por todos los integrantes como la banda de Maceo: ejecución musical, transmisión de sensaciones, carisma, solos, control de intensidades... en definitiva, se trata de una de esas bandas que hacen que ese momento, el del concierto, trascienda para el público y sienta la suerte de estar siendo parte de algo especial, algo único, cercano a la perfección y cargado de magia.

En cada concierto Maceo y su siempre inspirada banda nos demuestran que el ritmo es la esencia de la música y dan el significado más preciso que se puede dar a un concepto tan inexplicable mediante palabras como es el groove. Y por si eso fuera poco, lo hacen en clave de jazz, es decir, que basándose en la improvisación, tanto los solos como la estructura de los temas son diferentes cada vez, dependiendo de lo que el momento y su creatividad invoquen, dando lugar así a una creación única, efímera y trascendental.

Con esta reseña quería recomendar el disco Soul Classics (2012), por ser el último que ha sacado y como muestra de que a pesar de su avanzada edad (ya ha cumplido los 70 tacos...) sigue teniendo una actitud y brillantez admirables; pero no hay ningún modo de escucharlo directamente y entero en Internet así que he decidido colgar este School's In! (BHM/Indigo), que perfectamente capta la esencia de la banda, reune increíbles temazos que combinan hábilmente tradición y modernidad y es también bastante reciente (como siempre, si os mola el rollo no dudéis en escuchar los demás discos y recordad que podéis descargarlos fácilmente con el Soulseek). "La idea de School's In! nació en la gira con Prince", explica Maceo Parker,"cada vez que yo tenía que hacer un solo, Prince gritaba esa frase para llamar la atención del resto de músicos y decirles que escucharan para aprender cosas nuevas. Eso me dio la idea de hacer un disco en el que pudiera enseñar algo a la gente. Enseñar cómo he hecho las cosas en mis cuarenta años de carrera y cómo creo que deben hacerse. Hoy los jóvenes músicos no dedican suficiente tiempo a estudiar y practicar con su instrumento. Los ordenadores lo facilitan todo: puedes reproducir una flauta o una batería con un solo dedo. Eso hace que los músicos sean más gandules; en mi época dedicábamos mucho tiempo al estudio para después subir al escenario y mostrar todo ese trabajo". De esta manera valora este gran saxofonista la "música hecha por hombres, no por máquinas". 

Ojalá en los locales bilbainos por donde los jóvenes salen los fines de semana en busca de una escusa para mover el esqueleto y pasárselo bien pincharan más a músicos como Maceo, un verdadero ejemplo de actitud buenrollera, ritmos bailongos, energía y música creativa. 

Esto es School's In!. Disfrutad.

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Karate - Unsolved (2000)

Esta banda noventera combina ingredientes musicales con una elegancia, precisión y originalidad que pocas consiguen. Fue creada en 1993 en Boston, Massachusetts, y hasta que se disolvienron en 2005 llegaron a publicar 7 discos. Partiendo de un formato rockero en cuanto a instrumentos y actitud, integran elementos jazzísticos -sobre todo en la armonía y los punteos improvisados por la guitarra- con el desarrollo estructural y emotividad de los riffs del post-rock, dando lugar a un sonido compacto, coherente y original y situándose así en este Unsolved a medio camino entre los dos estilos. Es una de esas bandas que quizás la primera vez que la escuchaste no te dijera demasiado y pasara desapercibida, pero una vez apreciada con calma y atención -y buen sonido a ser posible- te entrará como zumo de naranja recién exprimido por la mañana. Si no te lo crees, cata esto:

Los temas se desarrollan de manera que el oyente irá descubriendo nuevos colores, paisajes y momentos según se vayan desvelando riffs de diferente carácter, punteos elocuentes o letras que sugieran el camino a seguir. Cada uno de los parámetros musicales es clave, se percibe que cada uno de ellos ha sido trabajado en profundidad y con motivación, dando como resultado un equilibrio sónico más fácil de sentir que explicar. Desde la originalidad de los riffs hasta las interesantes y contundentes líneas de bajo, pasando por el perfecto contrapeso que ofrece la batería, se constituye el material adecuado para la construcción de los temas. Sin embargo, hay un elemento muy particular que llamará especialmente nuestra atención: la voz, que define el carácter del grupo y compacta todo lo demás. Generalmente tan limpia y bien ejecutada, cuando en algún momento -seguramente sobre un riff que sugiere el punto álgido de la canción- le da un plus de fuerza, incluso llegando en algún caso a rozar el grito o rugido (escúchese el tema Caffeine or Me de su primer disco a continuación), hace que el momento desborde de energía y nuestro pecho se llene de intensas sensaciones. Las letras, también de gran profundidad y carga poética, son cantadas en un estilo muy particular, como si fueran recitadas, enfatizando ese carácter poético y dando la trascendencia que merecen a las ideas que se mencionan y se pretenden transmitir.

A veces, cuando un grupo es suficientemente bueno y constante, es muy difícil decidirse por un disco a la hora de hacer la reseña y ofrecerle a la gente algo por lo que empezar. Pues siendo Karate de este tipo, hoy cuelgo este Unsolved porque creo que reúne algunos de los temas que más han calado en el público y son más fáciles de apreciar en una primera escucha -aunque también dependa del día...-; pero el mensaje es claro: si os gusta, no dudéis en escuchar los demás discos, especialmente el homónimo y The Bed Is The Ocean, que sin duda estarán a la altura.

Ahí va esta gran obra de Karate, temas finos que os estimularán oídos y mente:

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McLusky - Do Dallas (2002)

Hoy os traemos lo que para nosotros es todo un clásico del noiserock y posthardcore de comienzos de milenio, si bien no sabemos cuál fue su impacto y éxito real ni en sus días ni hoy en día. Ya se sabe cómo funciona este mundillo de la música underground, en el que puedes estar elevado a los máximos altares por los amantes de lo anticomercial y, debido a los motivos que sean (convicción, falta de interés de grandes discográficas...), nunca pasar de ahí y permanecer como una banda relativamente desconocida toda tu carrera. Evidentemente esto no tiene por qué ser malo, ya que se puede triunfar igualmente sin salirse del circuito underground, y de esta forma la música mantendrá su alma por siempre, ajena a las presiones y exigencias de discográficas.

La banda se formó en 1996 bajo el nombre de Best, a la cual le cambiarían el nombre a McLusky, al conocerse Andrew Falkous y Mathew Harding después de ser expulsados de una fiesta en un instituto minero por ir ambos disfrazados de mineros, y tras añadir a la banda a John Chapple a quien conocieron en un festival por haberles meado a los otros dos la tienda de campaña. Sólo con oír estas dos historietas sobre cómo se conocieron, es evidente que no podía salir una banda ordinaria de ahí, y efectivamente así es, porque a esta banda se le podría poner casi cualquier adjetivo excepto normal u ordinario.

Así lo demuestran en este Do Dallas, cuyo nombre proviene de la película porno Debbie Does Dallas y que vió la luz en el año 2002, convirtiéndose en el segundo disco de la banda de Gales tras su My Pain and Sadness is More Sad and Painful Than Yours, respecto al cual consiguieron un alucinante salto cualitativo de su sonido gracias a la producción de Steve Albini de Shellac, con quien grabaron el disco. Además, consiguieron imponer un relativo orden dentro del caos y desorden innato de sus composiciones, en las cuales, pese a seguir haciendo lo que les daba la gana se empezó a atisbar una especie de línea a seguir por la banda en cuanto a temáticas y estructuras de los temas, que pese a tener poco que ver entre ellos, forman un conglomerado ideal para dar forma a este trabajo.

Los años parecen no pasar por este disco, que sigue sonando tan fresco e innovador como el día en el que fue editado hace ya más de diez años. Yo desde luego siempre lo tendré entre mis discos favoritos, y seguiré escuchando sus delirantes letras como algo más que simples líricas, ya que si no se les presta la suficiente atención puede parecer una sucesión de frases sin sentido, pero hay mucho más detrás, canciones en las que realmente merece la pena analizar qué se está diciendo y cómo se está diciendo, es decir, qué es lo que están tocando simultaneamente. 

Si os gusta el posthardcore y el noise y que la música no siga patrones habituales, seguro que os gustan y podréis gritar bien alto al igual que lo hacen ellos: Fuck This Band!

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Granicus - s/t (1973)

Granicus es un río situado en Oriente Próximo, donde se libró una de las batallas más recordadas del imperio persa antes de Cristopher. Suponemos que de ahí sacaron el nombre la banda estadounidense de hard rock de los 70, Granicus.

Corrían los años dorados para el rock y las bandas se multiplicaban como una plaga, sobre todo en Estados Unidos y Reino Unido. Es bastante sencillo, para mí a finales de los 60 y principios de los 70 podemos encontrar joyazas y sonidos únicos, básicamente porque surgieron tal cantidad de grupos que muchos tenían que ser muy buenos, al igual que otros no lo serían tanto. En este contexto, Granicus es el típico caso del grupo que saca un discazo, lo dejan, y no se vuelve a saber nada de ellos hasta que a alguien se le ocurre remasterizar el disco y reeditarlo. En su momento, tocaron por aquí y por allá, pero parece ser que no tuvieron mucho éxito, teniendo en cuenta la época que es. Se parecían bastante a los británicos Led Zeppellin, sobre todo en el cantante, y solo por eso deberían haber triunfado algo más, pero a diferencia de estos, no tenían un buen manager.

Comentan que grabaron un segundo disco que nunca vio la luz por problemas internos, supongo que ése fue el fin de la banda de Ohio. Pero nosotros nos quedamos con este disco homónimo de 1973 que suena a gloria, puro hard rock 70's que vale la pena revalorizar. 

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Apollo 440 - Dude Descending a Staircase (2003)

Hoy echamos la mirada atrás para rescatar este pedazo trabajo de la banda inglesa Apollo 440, quienes a pesar de tener una discografía de muchísima calidad, nunca han tenido un notable reconocimiento más allá de sus clásicos temas Stop The Rock y Ain't Talkin' 'bout Dub, el cual abre su segundo LP, Electro Glide in Blue y que fue el que les catapultó a la fama tras un primer disco que pasó ciertamente desapercibido.

Tras tres años en los cuales la banda no paró de girar y dar directos con una banda compuesta por ocho personas incluyendo batería, bajo y guitarra, vería la luz su tercer álbum, Gettin' High On Your Own Supply, en el cual siguieron combinando música electrónica como techno o drum&bass con música ambiental como habían hecho hasta la época, solo que en esta ocasión utilizaron muchísimos más samples de guitarras y bajos del rock, haciendo que el disco llegara tanto al público electrónico como al rockero y cosechando un éxito fuera de toda previsión, mejorando incluso las ventas de su anterior trabajo.

A parte de su trabajo discográfico Apollo 440 ha remixado, colaborado y producido a otros tantos artistas, además de crear música para películas, anuncios y demás, que es básicamente a lo que se dedicó en la época entre su tercer trabajo y el cuarto, que es el que traemos hoy para vosotros, Dude Descending a Staircase, que se trata de un pequeño homenaje al cuadro Nude Descending a Staircase, No.2 del pintor francés Marcel Duchamp.

El primer tema, que comparte nombre con el disco, ya nos advierte del cambio de tendencia de la banda en este trabajo, ya que de buenas a primeras nos encontramos con gente rapeando en una banda que lo último que había hecho era lo más rock de toda su carrera y que si seguimos escuchando nos damos cuenta de que la mayoría de samples de rock han desaparecido (si bien aún podemos encontrar temas que mantienen esa esencia como 1, 2, 3, 4), y en su lugar aparecen los samples del jazz, funk y soul y unas bases mucho más dance o disco.

La verdad es que debido a estos sonidos dance y disco, la banda deja de asombrar en algunos temas para empezar a sonar corriente y ciertamente comercial, pero que nadie se asuste, ya que parece como si Apollo 440 hubiese pensado en esto y Dude Descending a Staircase vió la luz como un doble Lp cuya primera cara contenía estos temas, y la segunda los temas más ambientales, en una vuelta a los orígenes de la banda , y los samples más jazz, funk y soul.

De esta forma nos encontramos en esta segunda cara con temazos como Bulletproof Blues o Suitcase 88, que junto al resto de temas sirven de perfecto setlist para relajarse tras el subidón que acompaña a la primera cara, como si el álbum fuese una especie de droga con su propio subidón y bajón, y que engancha.

Dado el montón de influencias o samples realmente variados que utiliza la banda, es difícil que un disco suyo suene repetitivo o que sus temas se parezcan entre ellos, por lo que si os gusta la electrónica os invito a husmear en su discografía y descubrir por vosotros mismos cuál es vuestra época factorita de la banda, ya que son ciertamente dispares pero siempre con el denominador común de la calidad, que nunca falta. 

Quizás tengáis algún problema para encontrar sus discos por internet debido a que pertenecen a $ony, pero podéis encontrar sus trabajos sin ningún problema en el Soulseek, programa que os podéis descargar pinchando en el pájaro azul de la derecha. También os dejamos el álbum para que lo escuchéis online.

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Accidente - Amistad y Rebelión (2014)

Este es el regalo de bienvenida al año nuevo que tenían preparado esta buena gente de Madrid. Sí, lo han vuelto a conseguir, Accidente han sacado un nuevo pedazo de disco güeno güeno. Quizás si escribiera esto dentro de una semana habría menos superlativos, pero las primeras impresiones también son importantes.

La sensación ha sido parecida a la que tuve con el primer disco: lo escuchas, piensas "es un poco moñas, muy meloso para un tipo duro como yo", va convenciéndote y finalmente te entregas, sueltas la melena y lo escuchas 5 veces seguidas. Esas sensaciones de enamoramiento y emoción total con un grupo nuevo, que te ha llegado a lo más profundo, que tan poco sucede y tan especial es, "comparable" a cuando te empiezas a enamorar de una persona. 

Como suele pasar con muchos grupos, superar el debut suele ser imposible por que captura la esencia absoluta de la banda y nunca más serán tan frescos. Sin embargo, igual es la calentada que traigo pero este "Amistad y Rebelión"  me ha gustado lo mismo o más que su debut que tanto gustó hace un par de años. Son 10 temas, va de menos a más, más medios tiempos, se aventuran a cantar una en inglés, son perfectamente coreables y, por supuesto, vuelven a tener letrazas, directas y políticas. 

Cada vez se están dando más a conocer y su música es un punkrock apto para todos los públicos. Mi reflexión es: a ver si con un poco de suerte y promoción se ponen de moda, como al nivel de cualquier grupo de festival kalimotxero. Mejor que lleguen sus mensajes y su filosofía DIY a que estén dinosaurios del punk haciendo el ridículo sin ninguna actitud.

Al que no le guste es que se está reprimiendo. No te encierres en el armario anda.

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Últimas novedades del año: Ura, La Hora del Primate, Diana Lagarto y Helde/Somberlain

Para finalizar el año, aquí os van las últimas bandas locales que andan asomando el hocico.

Ura

De la cantera de ruido de Izarbeltz nos llega esta primera demo de Ura (anteriormente R-209) que presentan 4 temas de vegan crust al estilo de grupos como Fall of Efafra. Llevaban un tiempo dando buenos conciertos por la zona y demostrando que son una banda potente. Esta demo la han grabado ellos mismo en el local de ensayo con un resultado más que aceptable. Como siempre, si se os quedan cortas las 4 canciones no os los perdáis en directo.

Diana Lagarto

Banda surgida del parón que ha hecho el grupo bilbaino Inserta. De hecho, son 3/4 de Inserta junto al cantante de 5.000 rpm. El proyecto tiene buena pinta, pero de momento solo podemos escuchar un tema que han colgado en el bandcamp.

La Hora del Primate

Nuevo y ambicioso grupo que han formado gente de Elfo Negro, Paniks o Bugatti. Teniendo al guitarrista y batería de Elfo Negro, el estilo nos recuerda un poco a este grupo, lo que está de maravilla. El gran cambio está en la voz. Los primates han colgado un adelanto de 4 temas de su disco que suenan muy muy bien, pero qué mejor que ellos mismos para describirse:

Tocar bien ha pasado de moda! Ha llegado el momento de dar rienda suelta a lo salvaje! Ha llegado La Hora del Primate, una banda bilbaina de punk-soul salvaje y sin complejos, una coctelera que mezcla a Zen Guerrilla, Stooges, Queens of the Stone Age, MC5, The Sonics...

Helde / The Somberlains (Split)

Y por último, aquí tenemos un reciente split EP que ha sacado la nueva banda vasca de black metal Helde con los gallegos Somberlain. No es que sea el estilo que más me motive, pero la cara de Helde me ha parecido muy interesante. El grupo lo forman amantes del black metal experimentados en ruidera con otros tantos grupos y el resultado es un akelarre musical taladraoídos con partes ambientales. La otra cara la completa los experimentados Somberlain, pero ya su música se me va de las manos.

  

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Estricalla - Triple Salto Mortal (2013)

Hoy no traigo manzanas, traigo un nuevo discazo de Estricalla. 

Ya era hora de que sacaran un disco largo, ya que sus anteriores 2 referencias se quedaban más bien cortas. Esta, sin embargo, tiene la duración exacta para un disco de hardcore, alrededor de media hora de metralla en la que Fernando Sapo no para de soltar mierda por la boca.

Sinceramente, Estricalla no me habían llamado mucho la atención hasta ahora, podía escuchar lo nuevo que sacaban o acercarme a verles si tocaban cerca, pero seguramente, lo hacía porque los integrantes son míticos y han hecho grandes cosas tiempo atrás. El caso es que no llegaba a decirme demasiado, pero este Triple Salto Mortal es una pasada.

Quizás haya influenciado que han tenido ciertos cambios en las guitarras o será que las canciones están más trabajadas. Resulta que son 10 disparos, algunos más directos y rápidos marca de la casa, y otros con medios tiempos, donde la voz de Sapo está mejor aprovechada para mi gusto.

Los 2 temas que cierran ambas caras son los mejores para mi, las más largas, trabajadas, donde la melodía y la rabia ligan perfectamente. En concreto, en la última nos encontramos con una más que grata sorpresa con la aparición bestial de Jello Biafra (Dead Kennedys) a las voces, quien se explaya a gusto bajo un mismo ritmo.

Como vienen haciendo hasta ahora, las letras están cargadas de rabia y crudeza, su método: señalar claramente al objetivo, apuntar y disparar.

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Tom Waits - The Heart of Saturday Night (1974)

Hoy toca viajar unos años atrás para descubrir una verdadera joyita del gran artista Tom Waits. Este singular e ingenioso músico californiano ha experimentado grandes evoluciones musicales y personales durante toda su carrera. Hoy presentamos su segundo disco, The Heart of Saturday Night, publicado en 1974 por Asylum Records; aunque teniendo en cuenta su vasta e interesante discografía no descarto reseñar otros más adelante. Las letras de la mayoría de sus discos están inspiradas por grandes escritores como Charles Bukowski y Jack Kerouac, y sin duda recomiendo escuchar los temas mientras se leen las letras, ya que si bien son aparentemente banales y no muy fáciles de entender para un no-nativo, esconden interesantísimos contenidos poéticos. Por otra parte, también cabe comentar que dada su relativamente escasa repercusión mediática en televisión y radio, algunas de sus canciones son mucho más conocidas a través de versiones hechas por otros artistas: la versión que The Eagles hizo de Ol’ 55, primer tema de su primer disco Closing Time (1973), es el ejemplo más notorio, aunque la versión de Jersey Girl por Bruce Springsteen y la de Downtown Train por Rod Stewart, entre otras, son también bastante conocidas.

Bueno, repasemos un poco sus inicios para entender mejor su música. Cuando tenía 16 años Tom comenzó a tocar en una banda de R&B/Soul llamada The Systems, y encontró su primer trabajo en el Napoleone Pizza House de National City, sobre el cual cantó en el tema The Ghosts of Saturday Night (After Hours at Napoleone's Pizza House) del disco que hoy presentamos. Más adelante comenzó a trabajar como portero del club nocturno Heritage de San Diego (California), donde ofreció su primer concierto por 25 dólares, y depués se trasladó al club The Troubadour de Los Ángeles. Tras asentarse en esta ciudad y grabar varias demos para otros sellos, Waits firmó con Asylum Records en 1972, y tras numerosas sesiones de grabación nefastas, su primer trabajo, Closing Time, fue publicado en 1973. Tras la publicación de este disco, Tom Waits comenzó a salir de gira teloneando a artistas como Charlie Rich, Martha and the Vandellas y Frank Zappa, pero el público no mostraba interés por lo que hacía. Poco a poco fue labrándose mejores críticas y un año más tarde publicó este su segundo álbum. Waits describió The Heart of Saturday Night como «un comprensivo estudio de aspectos en la búsqueda del corazón del sábado noche, lo que Jack Kerouac persiguió incansablemente de un lado a otro del país, e intenté recoger unos pocos diamantes de la magia que vi». Se trata de un disco con raíces claramente jazzeras, aunque tampoco abandona del todo el aire country que podíamos apreciar en sus anteriores grabaciones.

Durante los próximos años Waits consumió frecuentemente alcohol y su estilo de vida comenzó a repercutir física y mentalmente en él, tal y como él mismo reconoció: «Estuve enfermo todo ese periodo. Estuve viajando mucho, viviendo en hoteles, comiendo mala comida, bebiendo mucho… demasiado. Hay un estilo de vida que está antes de que tú llegues y te introducen en él. Es inevitable». Así, en sus siguientes trabajos profundizaría líricamente en un estilo de vida cínico y pesimista, pero lo que más llama la atención sin duda alguna es la gran transformación que sufrió su voz, que más adelante describiría el crítico musical Daniel Durchholz como «si hubiese sido sumergida en un depósito de bourbon, ahumada durante unos meses, y luego llevada afuera y aplastada por un coche». De hecho, The Heart of Saturday Night es el último disco en el que lo podemos escuchar cantando con voz “limpia”, y sólo dos años más tarde ya sonaría de este modo:

Y un año después así:

Pero no creáis que su evolución termina aquí, esto es sólo el principio. Con el paso de los años se sumergió en influencias folklóricas de otras culturas, experimentó con sonidos percutivos e incluso trabajó como actor o compositor en algunas películas (fue nominado al Oscar por la banda sonora de One from the Heart, una película musical dirigida por Francis Ford Coppola). De todas formas esto lo dejaremos para más adelante, ya que ya va siendo hora de dejaros disfrutar de The Heart of Saturday Night, cuya portada, por cierto, es un homenaje al disco de Frank Sinatra In the Wee Small Hours, lo que permite hacernos una idea de una de sus influencias. Sin más preámbulos, adentraos en las oscuras calles de San Diego de un sábado noche, descubrid su esencia.

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