00. Port du Havre - Hay que echarlos al mar (El Tratado de las Bestias)
01. Tiparrakers - Holocausto Vietnamita (Luego Estamos)
02. Willis Drummond - Tresna (A ala B)
03. Warsong - Winter Sun (The Caravan)
04. Hzero - Siempre en las Calles (La Barbarie)
05. Curro Jimenez - Bala Perdida (Caballos, Mujeres y Armas)
06. Instinto - Monstruos (Instinto)
07. Destierro - Lobo (Örlog)
08. Khmer - Magna Mater (Khmer)
09. Meido - Double Dragon (Double Dragon)
10. Interlude - Entre Aires de Grandeza (A la Deriva)
11. Toundra - Marte (Mars) (III)
12. Hongo - Máquinas de Tortura (...Y Sembrarán los Campos de Odio)
Por fin tenemos abierto el bandcamp de Colectivo Colapso. En el podréis oir y descargaros los directos que hayamos grabado. Por ahora tenemos subidos tres, los de Viva Bazooka y Yaw del 31 de octubre y el de Layo Raser del 17 de noviembre. Poco a poco, segun se vayan organizando más bolos, iremos subiendo más directos (e intentaremos conseguir grabaciones de mayor calidad). Echadle un ojo si os pica la curiosidad.
Tracklist: Zeitgeist - Social Gag (Zeitgeist)
You Slut! - Elton Chong (Medium Bastard)
Goat - Golden Dawn (Wo
rld Music)
Royal Thunder - No Good (CVI)
Kadavar - Goddess of Dawn (Kadavar)
Black Moth - The Articulate Dead (The Killing Jar)
Ape! - Social Punishment Theory (1991)
Hombre Malo - Inoperative Receptors (Split con Desert Icons)
Amber - Cold Hands Warm Heart (Amber)
Paris - Modelos de encarcelamiento (La Place du Mort)
General Lee - The Witching Hour (Raiders of The Evil Eye)
Bio Crisis - Imperio en Llamas (En Memoria al Dolor)
Primer trabajo de esta gente de
Barcelona con componentes de grupos como Los Dólares, Primates y
Horrör/Siberiä. Se trata de un disco de rocking hardcore de manual, es
decir, hardcore ochentero a lo Poison Idea o Black Flag, en el que
estamos constantemente escuchando punteos mucho más rockeros en la onda
de Motörhead o Black Sabbath.
Aparte
de por esto, Peligro! destaca por un sonido premeditamente sucio y
guarro, que quizás dificulta las primeras escuchas del trabajo, pero al
que uno se acostumbra rápido e incluso le termina cogiendo el gustillo.
Por
el tipo de sonido podrían recordar a Hzero o a unos Black Panda menos
veloces, lo que no quiere decir lento, porque Peligro! no es
precisamente un grupo tranquilo. Sin
duda un gran disco para todo el público, ya que de la mezcla de
influencias del hardcore, del punk y del rock sale un disco muy curioso y
audible para cualquiera. Espero que lo disfrutéis tanto como nosotros.
El próximo viernes 28 de diciembre hemos montado por tercer año una velada de ruido para tímpanos exigentes en el Gazte Lokala de Deusto. Esta vez con grupo foráneo incluido! tendremos:
A las 20:00: (GRATIS)
DISPLAGUE
Banda de Barcelona que practica un potente neocrust con toques hardcoretas. Se encuentran de gira por la península presentando su primer disco que podéis escuchar en su bandcamp.
DISWAR
Grupo de Bilbo de puro y clásico d-beat que ya conoce de sobra todas las salas del circuito local. Comenzaron como trio y hace poco han añadido un cantante, lo que ha mejorado mucho en directo. Podéis escucharles aquí.
FOBBOS
Otra banda de Bilbo a seguir la pista. Lo suyo es el neocrust con partes ambientales/rápidas. Acaban de publicar su primer trabajo, un split con el grupo Tiranë.
Los conciertos tienen que terminar para aproximadas las 11 de la noche, pero la fiesta continuará hasta bien tarde a cargo de DJ JUANMA ITURRIAGA, que amenizará la marcha con todo tipo de sonidos.
Hoy os traigo a este increible artista
brasileño llamado Felipe Arcazas capaz de sacarse de la manga dos
pedazos de EPs como los que os voy a presentar él solito y en un mismo año. Su sonido es
un stoner rock pausado y tranquilo, con un alto componente psicodélico y
ambiental, muy en la onda de Brant Bjork pero instrumental.
El
primero de los EPs es el Induction to the Subconscious, que vió la luz a
principios de año, y nos presentó a un Felipe Arcazas con las ideas muy
claras, ya que todos los temas siguen la misma línea de ese stoner rock
calmado, que parece sacado directamente del desierto, como si se
hubiese conseguido extraer la esencia sonora de dicho lugar, excepto el
último tema Would You Mind Staying In The Rain? que juguetea con sonidos
un poco más postrockeros.
El segundo EP, titulado Aeolian Process, no se puede decir que difiera
mucho del primero, ya que el concepto musical viene a ser el mismo, pero
esta vez los temas aumentan su duración, con lo que aumenta también su
desarrollo y complejidad, y como efecto secundario, también la
psicodelia y la ambientalidad se ven considerablemente aumentadas. Se
podría decir que este segundo EP tiene una calma mucho mayor que el
Induction to the Subconscious.
Para mí, es mejor el primero de ellos, ya que goza de más ritmo y
dinamismo que el segundo, pero el Aoelian Process no es un trabajo para
despreciar ni mucho menos, ya que su calidad es altísima, pero es un
disco para momentos muy especiales de extrema calma. Sin duda, un
grandísimo descubrimiento Felipe Arcazas, que bien podría ser el hermano
brasileño secreto del enorme Brant Bjork.
Con la intención de abrir los horizontes del blog y de
compartir un amplio abanico musical coherente con nuestra forma de entender la
música, más allá de los prejuicios y demás restricciones que nos impiden
descubrir y apreciar música realmente cojonuda, hoy te invitamos a adentrarte
en El Club, esta nueva sección que pretende exhibir el espíritu de la música
negra y sus influencias -desde sus orígenes hasta la actualidad-, para
presentarte uno de los tantos discazos del gran saxofonista Charlie Parker, también
conocido como "YardBird" o "Bird" -apodo que él mismo
utilizó para titular alguno de sus temas, como el Yardbird Suite que podéis
escuchar a continuación-.
Charlie Parker fue y sigue siendo uno de los más admirados e
influyentes solistas del bebop, una de las figuras clave en la historia del
jazz. De hecho, fue él mismo, junto con otros gigantes del jazz como el
trompetista Dizzy Gillespie o el pianista Thelonious Monk, quien estableció las
líneas del bebop, un género que marcó el desarrollo del jazz a partir de los
años 40, caracterizado esencialmente por la complejidad melódica y armónica,
los tempos rápidos, ritmos sincopados y el virtuosismo instrumental. En este
sentido, aparte de su obra interpretativa, Parker es autor de varios temas que
se han convertido en standars del jazz, entre los cuales se encuentran el Confirmation que os muestro a continuación (tema que personalmente me ancanta) o el Now's the Time que
encontraréis entre los temas de este disco.
El disco que os presentamos hoy, el Charlie Parker At
Storyville, es un buen ejemplo del género mencionado, el bebop. Grabado en 1953
en el club Storyville de Boston, está formado por partes de dos conciertos
dados en un período de seis meses en ese local: en el primer concierto Charlie
Parker está acompañado por el Red Garland Trio (dos años antes de que Gardland
se hiciera famoso tocando con Miles Davis), y en el segundo por el trompetista
Herb Pomeroy y un trío liderado por el pianista Charles Thompson. Teniendo en
cuenta la época y que se trata de un directo, la calidad del sonido es bastante
aceptable; de todas formas, el subyacente y casi imperceptible ambiente de fondo -los
murmullos, tímidos aplausos, algún ruido casual...-también juega su papel y ofrece, junto con la calidez acústica propia de
un buen club como el Storyville, la oportunidad de sumergirte en aquella época
y disfrutar, de cerca, de esos sonidos añejos que se podían saborear en los
múltiples locales de jazz que escondían las urbes estadounidenses. Por si eso
fuera poco, también cabe destacar que Charlie Parker en aquél período -dos años antes
de que falleciera, a los 34 años, a causa de su adicción a la heroína y se
convirtiera en una trágica leyenda- como músico se encontraba en plena forma
(aunque poco después su carrera entrara en declive), y aquel año inundó el Storyville de
talento, llevando al público a una compleja pero gozosa experiencia auditiva. Una
complejidad rítmica, armónica y melódica que, requiriendo de verdaderamente
ágiles procesos mentales continuos por parte del intérprete, como si de un gran matemático se tratara,
se manifiesta, sorprendentemente, de una forma fácilmente digerible para el
público menos entrenado. Incluso en los temas más lentos del disco podemos
apreciar el torrente de notas que compone su solo y la explosión de ideas
musicales que es capaz de desarrollar. En realidad, en cada disco de Charlie Parker, y en el jazz en general, hay muchísimos aspectos para analizar y comentar: cambios respecto a las versiones originales (como su propia composición Cool Blues que en este disco toca mucho más rápido de lo normal), innovaciones en la improvisación, guiños a otros temas, estructuras, solos de los demás instrumentos... pero vamos a dejarnos de palabrería para dar paso a la música y dejaros disfrutarla mientras que vosotros mismos vayáis descubriendo todos esos detalles.
En definitiva, no se trata de un disco que recomendaría a
alguien para introducirlo en el mundo del jazz, pero si te interesa este género
y ya has disfrutado con otras grabaciones, entra al club y conoce al gran Charlie
Parker. Si a primeras no te engancha, no tengas prisa, te aseguro que con el
tiempo tú también lo acabarás admirando.
Tracklist (entre paréntesis el autor del tema y después en qué minuto empieza)
1- Moose the Mooche (Charlie Parker) - 0:00 2- I'll Walk Alone (Sammy Cahn/Jule Styne) - 5:10
3- Ornithology (Charlie Parker/Benny Harris) - 10:10 4- Out of Nowhere (Johnny Green/Edward Heyman) - 14:40 5- Now's the Time (Charlie Parker) - 19:15 6- Don't Blame Me (Dorothy Fields/Jimmy Mchugh) - 23:35 7- Dancing on the Ceiling (Lorenz Hart/Richard Rodgers) - 28:36 8- Cool Blues (Charlie Parker) - 31:06 9- Groovin' High (Dizzy Gillespie) - 36:00
Tracklist: Hot Water Music - Paid in Full (Exister) Soundgarden - Non-State Actor (King Animal) Graveyard - An Industry of Murder (Lights Out) Golden Void - The Curve (Golden Void) Horisont - Spirit (Second Assault) Stubb - Soul Mover (Stubb) Love Sex Machine - Plenty of Feelings (Love Sex Machine) Maria Isn't a Virgin Anymore - Amnesia (The Fall of Public Man) Apocalipsis - El Oceano I (Apocalipsis) Drip of Lies - Salvation (Failure)
Os presento un disco que llevo un par de años
teniéndolo en la recamara y que pasa por mi caseto de vez en cuando. Es el “As
Grey As They Said” de Carontte. Este trabajo es el primer y único disco del
grupo catalán, un trabajo oscuro y progresivo.
El “As Grey As They Said” cumple
perfectamente con la definición usada por el grupo: “es algo entre el post-rock
y post-metal”.Si bien este disco no
despunta por cambios bruscos en velocidad sí que lo hace por la buena forma que
tiene para hilar fino en las progresiones, haciendo que el disco se oiga
prácticamente sólo pese a que sea de relativa longitud (1 h aprox).
Trozos duros, trozos suaves melódicos, voces
pesadas… todo con buena ejecución y una buena producción. Y lo mejor de todo es
que puedo decir que en directo también cumplen; los vi teloneando a
Russian Circles en Barcelona. A ver cuando tenemos la ocasión de verles por
Bilbao City.
El rock ha estado salpicado de tragedias durante toda su historia. Supongo que debemos considerar estos acontecimientos como parte de la vida, y del mismo modo que celebramos esos magníficos éxitos, todo puede ir a peor en un abrir y cerrar de ojos. A algunos el súbito auge del éxito los lleva a una posición en la cual no pueden soportar la situación y les lleva a autodestruirse gradualmente. Jim Morrison, Nick Drake, Jimmi Hendrix, Laine Stanley, Janis Joplin, Ian Curtis se encuentran dentro de este primer grupo. Podríamos elaborar una lista interminable de artistas que buscaron premeditadamente acabar con sí mismos. A otros simplemente la muerte les encontró de casualidad. Steve Marriot, por ejemplo, se quedó dormido con un cigarrillo en el sofá y su casa acabó ardiendo, llevándose su gran talento por delante. Duane Allman, uno de los mejores guitarristas de la historia, estrelló su moto contra un camión una tarde de octubre de 1971. Él siempre pensaba que ''tenía a dios de su lado'', pero aun así, la muerte le alcanzó con 24 años. Buddy Holly, Otis Redding o los Lynyrd Skynyrd se la pegaron con un avión. Antes del despegue, a los Lynyrd se les informó que podía haber problemas con el aparato, y Ronnie Van Zant, con toda su chulería sureña dijo: "¡Vámonos! De todos modos si hoy es nuestro día no vamos a poder huir de él". No deja de ser una frase con cierto sentido, pero aquello no les impidió subirse al avión y aceptar su terrible destino. Por ello, hay que considerar la tragedia como una parte inherente de la música, del mismo modo que lo es en nuestras vidas cotidianas. En la música, estas tragedias destrozan a grandes artistas o bandas en lo más alto de su fama o momento creativo, dejando grandes cosas por hacer y fantásticos sonidos por apreciar.
Uno no puede dejar de pensar que hubiera sido del rock de los setenta de no haberse muerto Jimmi Hendrix, o que magníficos discos hubieran seguido editando Joy Division si Ian Curtis no hubiera optado por ahorcarse en su casa. O hasta dónde hubiera llegado el éxito de los Allman Brothers de no haberse cruzado ese camión en la trayectoria de Duane. Estas hipótesis y otras tantas que uno puede plantearse de vez en cuando, lamentablemente no tienen solución y solo nos queda resignarnos y disfrutar de lo que hay. Pero uno no puede dejar de añorar aquello que pudo ser y no fue, realizando un saludable ejercicio de nostalgia. Todas estas tragedias son medianamente conocidas por el aficionado de rock, pero hay otras muchas historias trágicas que se quedan olvidadas, protagonizadas por bandas desconocidas al público general.
A comienzos del nuevo milenio en Portland, Oregon, surge una banda de Punk/Power Pop cuyo sonido bebe directamente de aquel punk de primera ola de finales de los 70´s. The Exploding Hearts habían creado un sonido inalterado en el tiempo, con influencias directas de Undertones, Buzzcocks o The Jam. Comienzan a hacerse un nombre en la costa este gracias a directos arrolladores y singles con muy buena aceptación. Para mediados de 2003 están preparados para comerse el mundo, y publican su potentísimo debut Guitar Romantic.
Lo primero que nos salta al ojo al escucharlo es la producción del disco. En una época donde todo tenía la tendencia de sonar limpio e inmaculado el disco debut de Exploding Hearts sonaba excesivo a todas luces. Podíamos escuchar todos los instrumentos sonando altísimos en una mezcla que, sorprendentemente sonaba equilibrado. Bastaba con escuchar las primeras rasgadas de 'Modern Kicks' para darse cuenta de que el sonido parecía que iba ser del típico grupo cacharrero. Pero lo que ocurría instantes después resultaba maravilloso: todo parecía encajar con un buen gusto exquisito, y a pesar del ruido latente que podía apreciarse de fondo, uno no podía dejar de darle al play una y otra vez. Sin duda 'Modern Kicks' se comportaba como un himno de su generación, pero que llegaba 25 años después y procedía del lugar equivocado. Esta canción parecía haber quedado olvidada en los bajos de la Rough Trade de Londres desde 1981, pero no, era yankee y actual. Al oír el estribillo del tema uno puede notar como se abren las puertas del cielo y exclamar con felicidad al descubrir esta joya musical moderna. Con cierta pretenciosidad los veías posar para la portada de su LP debut con pintas de Sex Pistols, pudiendo pensar que no era más que una banda de mucha apariencia y poca calidad. Nada más lejos de la realidad.
Qué decir de 'Im a Pretender'. Muchos dirán de ella que tiene unas letras algo cursis (''I'm a pretender at the game of love,Need somebody help me shatter my heart'') pero está tratada con la actitud y la clase que se debe. No sé si por momentos se auto parodian o si simplemente hay autenticidad y amor a la música. De lo que no hay duda es que se trata de otro de los mejores cortes del álbum. Podríamos hablar de un Power Pop más puro en 'Sleeping Aides & Razorblades', que varia un poco el estilo y se permite construir una melodía muy lograda a base de una guitarra no tan excesiva como el resto del disco. 'Rumors in Town' es otro de los grandes temas del disco, cuyo guitarrazo inicial nos anticipa grandes cosas del resto de la canción. Tras una montaña rusa de emociones, al final del tema entra el solo de guitarra para terminar de explotar todo por los aires. El disco entero está repleto de exitazos, siendo difícil encontrar un momento de bajón en los casi treinta minutos de duración. Muchísimas emociones plasmadas en apenas diez canciones que transmiten a chorros la alegría de vivir y el buen hacer de estos chavales, de los que sin duda se les intuía un grandísimo futuro.
Pero como decimos, la tragedia tarde o temprano se cruza en nuestras vidas, siendo imposible esquivar los caprichos del cruel destino. La tragedia encontró a los integrantes de Exploding Hearts el 20 de Julio de 2003, en una carretera de Oregon camino a casa desde un concierto en San Francisco. Los integrantes Jeremy Gage, Adam Cox y Matthew Fitzgerald perdieron la vida en dicho accidente, quedando únicamente con vida el guitarrista Terry Six. De un plumazo se borraba a una de las bandas más prometedoras del rock americano del momento. El destino no esperó a verles triunfar por todo lo alto; No espero a verles llenar estadios; No espero a ver sus cuerpos destrozados por la droga; Ni tampoco esperó a ver su creatividad obsoleta por el paso de los años. El destino esperó a ver su primer LP publicado y ahí decidió terminar la historia de esta pequeña gran banda. Este disco, Guitar Romantic, es la clase de disco que puede alegrarte un día jodido, repleto de canciones para ir a toda pastilla por la vida y derrapando en cada curva. Guitar Romantic: Canallas pero con corazón. El destino decidió congelar el mito y convertirlos en leyenda. Quedándonos un disco para la historia y una banda para el recuerdo.
Este Vilayer, que es el primer
disco de larga duración de la banda neozelandesa Kerretta, es todo un soplo de aire fresco
en una escena tan sumamente saturada como es la del postrock. Hoy en
día la mayoría de los grupos de este estilo simplemente se dedican a
repetir la fórmula que tanto éxito ha tenido en el pasado, y cuesta
encontrarse con un trabajo como éste, que a pesar de no inventar nada
nuevo, consigue sonar fresco y original.
Yo
diría que la magia de Kerretta reside en su simpleza, ya que no se
meten en problemas con composiciones rocambolescas y su música llega muy
fácil. Pero cuidado, porque decir que este Vilayer suena simple
no significa que los detalles no estén cuidados al máximo, o que no goce
de una progresividad casi perfecta.
Quizás
esta progresividad sea la magia del disco, que consigue que sus temas
se queden grabados en tu cabeza a diferencia de otros muchos grupos
postrock. Sus temas son instrumentales, y por su melodía, casi parecen
sacados de un sueño, pero esto no impide que en determinados momentos
suenen algo más violentos y pesados.
A mí me suenan a una especie
de mezcla entre Russian Circles, Mogwai y las partes más postrockeras de
Isis, pero siempre dejando claro que no son un grupo postrock más, sino
que son Kerretta, que tienen un sonido propio, y que han venido aquí
para quedarse.
Hom son una banda prácticamente recien nacida (2009) de Barcelona y este 10" titulado La Tomba De Fórcides es su primer trabajo.
Lo
primero que me impresionó a la hora de escuchar este disco es la
madurez que tiene su sonido, lo que yo creo que indica que son una banda
que desde un principio tenían muy claro el sonido que querían lograr.
Llevan a cabo una mezcla de postrock, postmetal y crust en el que los
momentos tránquilos y melódicos conviven en perfecta armonía con los
momentos más agresivos. Por esta definición podría sonar como muchas
otras bandas que hay en este blog y otras tantas que hay saturando el
panorama postrock y postmetal, pero Hom tiene algo distinto al resto y
es sin duda su progresividad y sus tintes crust.
Todos
los componentes de la banda vienen de grupos crust, y eso se nota
muchísimo a la hora de transmitir violencia y potencia en las partes más
rápidas de los temas, así como en las partes en las que aparece su
desgarradora voz. Además, los temas tienen una progresividad que casi
asusta, ya que estás escuchando el disco y te va llevando por diferentes
pasajes casi sin que te des cuenta.
Sin
duda estamos ante un gran trabajo de una banda a la que le queda un
gran futuro por delante si sigue evolucionando y perfeccionando este
sonido tan característico que han conseguido.
En el programa de esta semana aprovechando la calidad de
las bandas de Bilbao, dejamos a un lado los sonidos internacionales y
dejamos de mirar hacia fuera para mirar hacia dentro de nuestra
propia ciudad.
Pinchamos temas de los mejores grupos de Bilbao de los últimos años (en activo o no) a nuestro parecer.
Y como podéis ver en el tracklist no nos centramos en ningún
estilo, ya que la variedad de la que podemos gozar es muy amplia como
para hacerlo.
Tracklist:
00. The Cherry Boppers - Black Lolita (Play it Again)
01. Atom Rhumba - Home Made Prozac (Amateur Universe)
02. Last Fair Deal - Filthy (I)
03. Positiva - Hi-Lo Charge (Centaur's Ride)
04. Loan - Express Bahiketa (Kobazuloan Saiakerak)
05. Meido - Noman (Munduko Kamiorik Handiena)
06. Fallen - Something To Say (Esposados a la Humanidad)
07. Krater - Antonio Das Mortes (2ª Demo)
08. Elfo Negro - Escalera (Márgenes)
09. Crikcbat - En La Misma Piedra
10. Haggish - Cosmonauta (Shanka Whanka)
11. Inserta - Contorsión (Reencuentros)
12. Capsula - The Damage is Done (Rising Mountains)
Esta banda de Baiona no para de asombrar. Su último disco – A ala B (A o B) - es la clara señal de que este grupo ha despegado definitivamente. A diferencia del Istanteak (2011), que lo grabaron en tres días y todo en directo, esta vez han dedicado un mes para grabar pista por pista. Se nota. Un sonido penetrante, limpio e impresionantemente detallado.
En cuanto a la musicalidad de sus temas, qué decir. Con el A ala B han vuelto a sorprender cambiando ligeramente la onda de su anterior disco (como ya hicieran con el Istateak) fusionándose con trazas punk-rockeras que encajan a la perfección. El resultado conseguido es auténtico. Es uno de esos grupos con los que te planteas a ver si han descubierto “la fórmula perfecta” para cambiar a su antojo, seguir gustando a los seguidores de toda la vida, y encima conseguir atrapar a nuevos. La fórmula para triunfar para ti y para los demás.
Sus
ritmos,sus disonancias y sus punteos siguen estando presentes aunque
tal vez con mayor simplicidad, sin dar muchas vueltas, lo que no quita
la vigencia de su complejidad. En cambio, la evolución en cada uno de
sus temas es todavía más bestial, lo que en conjunto con lo anterior,
hace que entre directo al cerebro, sin titubeos.
Sus
canciones son de todos los colores, de todos los olores y de todos los
sabores. Es un disco con mucha variedad, listo para saborear y digerir.
En él se encuentran canciones aceleradas como 'Menperatzen dut', ‘Ilegala’ o ‘Tresna’, más pausadas como 'A ala B' y algunas lentas (entre las que se encuentra mi favorita) 'Komedia' o 'Berantegi'.
Sus
letras apelan al sentimiento, o eso le hacen sentir a un servidor.
Terriblemente ligadas a la música que le acompañan, provocan que en tu
vida aparezca por un momento esa banda sonora que te hace ver el encanto
especial que tiene todo. Para mí, la que se lleva la palma es ‘Komedia’ (aunque depende del día a veces prefiero ‘Tresna’)
Quizás haya un salto entre el Antologhy (2007) y el A ala B
(2012), pero para esos viejos seguidores confusos que no terminan de
ver con buenos ojos la evolución del grupo, decir que no se preocupen, se le
coge mucho gusto y muy rápido. También comentar que en sus directos
olvidas qué canción es de qué disco… los últimos bolos siguen siendo tan buenos o mejores que los primeros; con intensidad, con emoción, con rabia… son un
todo, son Willis Drummond, sólo hay que disfrutar.
En
fin, echaré de menos ver tocando a Willis Drummond más a menudo en gaztetxes y
salas pequeñas, porque de verdad creo, que van a estar ocupados durante
un buen tiempo. Sin lugar a duda, el talento innato se ha
juntado con la pasión por la música y el trabajo vocacional, para dar
fruto a una de las bandas de Euskal Herria que perdurará en el tiempo.
Hacía mucho tiempo que una banda de stoner rock no me sorprendía tan gratamente desde la primera escucha como lo ha hecho este trio de Philadelphia llamado Ape!.
Este The Dirger, que se trata de su primer album largo de estudio, tiene unas influencias muy marcadas de Black Sabbath, Kyuss y Electric Wizard entre otros, lo que de primeras lo convierte para mí en una debilidad, y su grandeza se confirma al escucharlo.
Ape! han sido capaces de crear un trabajo que suena completísimo, de principio a fin, al cual no se le puede poner ningún pero ni encontrarle ninguna fisura, que sin ninguna duda pasará a convertirse en un disco muy bien valorado por todos los amantes de los sonidos pesados gracias a sus brutales riffs y ritmos de batería en un futuro no muy lejano. Además, la voz, que es lo que suele fallar en este tipo de bandas ya que se limitan a imitar a otros cantantes de exitosas bandas del pasado, derrocha personalidad por todos lados y encaja a la perfección en este discazo.
Habrá que seguirles la pista a estos figuras y ver de qué son capaces con esta genial y compacta mezcla de stoner y noise rock en un futuro. Imprescindible.
En el programa de esta semana hablamos sobre la historia y la evolución musical del grupo norteamericano Clutch, que pese a ser tratado normalmente como una banda de stoner rock, tiene tantísimas influencias de tantos estilos que es realmente injusto hacerlo como tal.
Nos centramos sobre todo en repasar sus inicios, en los cuales coqueteaban con sonidos algo más oscuros y decadentes, y su actualidad, en la cual han conseguido una mezcla perfecta entre melodía y potencia, si bien podréis oír al menos un tema de cada uno de sus discos, que no son pocos.
Tracklist: 01. 12 Ounce Epilogue (Transnational Speedway League) 02. Animal Farm (Clutch) <br />03. The House That Peterbilt (Clutch) 04. The Elephant Riders (The Elephant Riders) 05. Going To Market + One Eye Dollar (Jam Room) 06. Gnome Enthusiast (Jam Room) 07. Pure Rock Fury (Pure Rock Fury) 08. The Mob Goes Wild (Blast Tyrant) 09. Gravel Road (Robot Hive/Exodus) 10. Electric Worry (From Beale st. To Oblivion) 11. Freakonomics (Strange Cousins From The West) 12. Algo Ha Cambiado (Strange Cousins From The West)
Cuántas películas o series tratan de la música, de su mundo, de sus secretos. Cientos de ellas, a decir verdad. Pero, ¿es en ellas la música la protagonista? Treme, la última creación de David Simon (1960) y Eric Overmyer(1951) para la HBO, nos traslada a Nueva Orleans, Luisiana, para mostrarnos lo que ha sido de la ciudad tras la catástrofe del huracán Katrina. Y entre escombros y edificios derruidos, y a través de las vidas truncadas de miles de personas, hay algo que con todo, y nunca mejor dicho, sale a flote. La salvación consiste, para unos, en reconstruir su casa o su negocio; para otros, en cambio, en retomar su guitarra, su violín, su trombón o su voz y, a pesar de todo, en armarse de valor y volver así a locales, salas de concierto y carnavales y tocar, tocar siempre. ¿Qué les mueve, qué es lo que les impulsa a hacerlo? El secreto está en la música.
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Primer Ep de la banda de Oviedo Acid Mess. En este debut, los asturianos completan un disco perfecto, en el que no sobra ni un segundo, 4 temas y 4 himnos del rock. Practican un hardcore cabrón y gamberro bastante rockanrolero, lleno de energía y macarrismo.
La caña, el cáñamo y los cuchillos, esas son las influencias de estos jóvenes.O por lo menos lo eran antes, ya que actualmente el grupo ha dado un giro importante en cuanto estilo. Después de algún cambio en la formación, ahora le dan al stoner psicodélico, vamos, que han cambiado totalmente el sonido del grupo. Aunque esto pueda parecer una mala noticia no lo es en absoluto, ya que si tocar punk se les daba bien, el rock fumeta se les da incluso mejor, y prueba de ellos son los adelantos del nuevo disco que han colgado en la red.
Dentro de poco les tendremos por Bilbao tocando, esperemos que se traigan un poco todo!
Hoy os presentamos a este grupazo de
Boston llamado Morne. Sacaron su disco debut Untold Wait en el 2009, y
ya desde entonces se le podía intuir un gran futuro a la banda. Futuro
que es ahora presente con este impresionante trabajo titulado Asylum.
Si
bien su estilo no ha cambiado demasiado de un disco a otro, este Asylum
incorpora nuevos detalles respecto al anterior que lo situan entre los mejores discos del 2011.
Siguen
fieles a ese sonido ambiental, tan bonito como tétrico, combinación de
influencias crust (aunque menos que en el anterior disco, mantienen la
esencia), postmetal y posthardcore, pero esta vez le han añadido algo
más de postmetal y de sludge (sonando por momentos parecidos a los
también increibles Fall of Efrafa), y le han dado muchísima más
importancia a la progresividad de sus temas, como se puede comprobar en
el primer tema de 17 minutos de duración, que toca absolutamente todas
las influencias de la banda, que nace entre bonitos pasajes melódicos
con piano y desemboca en unos riffs pesados y desgarradores como el
infierno.
El grupo se mantiene
coherente en todo momento a lo largo del disco, fiel a la estructura
tranquilidad-caos-tranquilidad, pero no por ello las canciones suenan
repititivas ni mucho menos, ya que el grupo tiene muchísimos matices que
consiguen no aburrir en absoluto durante los 66 minutos que dura el
disco, a diferencia de otros muchos grupos, que haciendo un estilo
similar, a partir de los 20 minutos comienzas a tener una constante
sensación de deja-vu.
Especial
mención para el último tema del disco también, que te sumerge durante
sus seis primeros minutos en un melodioso sueño idílico para después
capturarte y arrojarte a los pies de sus poderosas guitarras, en una
especie de demostración general de lo que han venido haciendo durante
todo su trabajo.
Sin duda alguna,
para mí y para los que tengan los oídos y la mente un poco
acostumbradas a este tipo de sonidos, se trata de un disco redondo que
raya la perfección, y como he dicho antes, se trata de unos de los
mejores del 2011.
Esta semana seguimos y terminamos con el especial sobre discos que vieron la luz en el año 1969
que comenzamos la semana pasada, y una vez situados en el contexto
histórico y musical, pasamos a pinchar una batería de temas que hará
las delicias de todo el que nos escuche.
Si bien la semana pasada pudimos escuchar grupos
ciertamente conocidos, esta semana damos una oportunidad a otras
bandas más underground y por tanto más desconocidas, pioneras en la "oscurización" del género, aunque también hay espacio para otros temas más clasicotes.
Tracklist:
MC5 - Kick Out The Jams (Kick Out The Jams)
The Stooges - 1969 (The Stooges)
Thunder&Roses - Dear
Dream Maker (King of The Black Sunrise)
Grand Funk Railroad - Got This Thing On The Move (Red Album)
N.S.U. - His Town (Turn Me On or Turn Me Down)
Little Free Rock - Blud (Little Free Rock)
Andromeda - Garden of Happiness (Return To Sanity)
Jethro Tull - A New Day Yesterday (Stand Up)
Arzachel - Leg (Arzachel)
Pink Floyd - The Nile Song (BSO More)
Vanilla Fudge - Break Song (Near The Beginning)
Las bandas cuyo renombre ha alcanzado lo más alto y cuya reputación está en juego con cada nuevo trabajo escogen para el mismo, a menudo, un título e incluso una estética determinada que, de alguna manera, predisponga al oyente a una escucha favorable o que, por lo menos, suscite algún interés. Es llamativo cómo en este Honor found in decay (2012) ese nombre y esa estética reclaman toda nuestra atención. En ese sentido, Neurosis no parece ser una excepción.
El conjunto parece hallarse, con ello, en el seno de una controversia nacida de su propia esencia, de su naturaleza de grupo de culto. La fuerza bruta de las profundidades de la vida sigue siendo su seña de identidad. Y el misticismo sombrío y salvaje de antaño permanece aún latente a lo largo de toda la grabación. Por eso mismo, quizá la decadencia en la que estamos no sea sinónimo de decadencia en Neurosis o, dicho de otra manera, quizá Neurosis siempre haya encontrado un cierto honor en el abismo de la decadencia. En este sentido, el grupo del que hablamos bien puede ser la excepción.
Pues junto con Mogwai e Isis, Neurosis forma el gran trío canónico de lo que ha dado en llamarse postmetal, o postrock, y en lo que a la renovación del género respecta, sus aportaciones corrieron en paralelo durante varios años. Pero mientras que Isis ha derivado ya en nuevos proyectos, Mogwai todavía busca renovarse con cada álbum, con cada canción, con cada concierto. Neurosis, por el contrario, y antes que renovarse, lo que parece es ahondar en su particular carácter: parece incluso retrotraerse a sus orígenes. De hecho, todos sus trabajos han resultado ser una especie de retorsión de la banda sobre su destino, una suerte de búsqueda de su propia autenticidad.
Aquí resuenan esas voces de ultratumba, atronadoras y estruendosas como siempre, pero también melódicas. Los espacios acústicos se hinchan y se expanden con la misma celeridad con la que, de súbito, se angostan y tienden a aprisionarnos. La tensión de los tiempos crece y crece por momentos –para desvanecerse en un instante. Pero la percusión y las cuerdas no se desprenden de su pesada rítmica doom-metal, y los giros del argumento tampoco es que sigan una línea exclusivamente ambiental, por lo que sigue sin ser fácil determinar dónde empieza la luz y dónde terminan las sombras.
A decir verdad, nada ofrece la sensación de ser, por decirlo así, “nuevo”; ni nada da la impresión de haber renovado la marca de la banda, ni del género, menos aún de la música en general. Y sin embargo, Neurosis siguen sonando como lo que son y no han dejado de ser: como sacerdotes de algún numen perdido sin remedio, como apóstoles de un evangelio fracasado.
Terrible mérito el de esta banda, no hay duda, inconfundible y única aun en la cripta misma de la decadencia, al tiempo que leyenda viva del postrock. Y esto no hay quien lo niegue.
